El vidrio picado esconde la presencia: fuera del diafragma rectangular, está limpio, borrosa, desnuda. Disparado a la vuelta de la esquina, se aclaran los roles y los visitantes Cuerpos modernos La construcción del cuerpo en Venecia del Renacimiento (Venecia, la Galería de la Academia, hasta el 27 de julio, editado por Gvido Beltramini, Franchoy Borgo y Julio Wanneri Elia; Catálogo de Marsilio, 40.00 €) que acababan de interpretar parte del artista. No solo el artista es, sino también el hecho de que en el grabado de Albrecht Dürer de 1525, observa cómo una mujer se derrama en la cama a través de las barras de hilos ortogonales, (al menos) oficialmente para transferir la imagen al futuro.
Ya hay los tres temas de las exposiciones, establecidos principalmente en el siglo XVI: reproducir el cuerpo, poseerlo, ponerlo y formarlo como se desea. El resultado ideal del método Dürer es una mujer, que generalmente es de Bernardino Licinio, quien, con sus tonos rosados, morados y ocre, da la bienvenida al visitante en la segunda sección (Nombre: Desire) e lo ilumina de la atmósfera intencionalmente, que acaba de dejar atrás.
En la primera parte de la ruta (anatomía), de hecho, los curadores querían respirar el aire de la clínica. Músculos, tendones, falanges, útero, arterias, clavículas, membranas: todo para medir, compresión y juego. El diseño de Dürer, Leonardo y Michelangelo se encuentran en el acero del acero inoxidable o en las paredes de laboratorio inmaculadas para acompañar la historia de la investigación científica realizada en Veneto de los siglos cinco a XVII utilizando el método de disección. Andrea Vesalio domina a todos los que han sido profesores en la Universidad de Padui desde 1537, y en 1543 publicó el acuerdo ilustrado más importante de la anatomía del siglo. Los cuerpos cuadrados que llenan sus páginas, a veces sin cabeza, brazos y piernas: la exposición muestra cómo no puede ser mejor, que esta fragmentación desidentificante imita las estatuas antiguas en las que miraron a artistas y escultores. Por lo tanto, se crea el discurso artístico, y aquí la tarea es hacernos percibirnos de la misma manera, o incluso simplemente percibir, las obras famosas cristalizadas en la memoria (si todo está en orden) o en la comercialización (si va mal).
La presencia de grabados de entrenamiento de Vesalio frescos, una hoja grande con un sistema cardiovascular del cuerpo femenino Leonardo (una de las muchas demostraciones de tesoros de Windsor) será más fácil de ofrecer como una obra maestra de claroscuro y disolución gráfica del problema. Expresivamente, la investigación de Libia Sibille Michelangelo de la mesa de Nueva York (no se vieron en Italia durante un siglo), adquirió un sabor clínico: este es un buen precio para poder mirar, para ver notas ocultas mental, publicación para turistas y páginas en línea, que hicieron que Strazio de tal hoja. En otros casos, el mismo objetivo es una quimera, pero si solo la persona de Vitruuvsky se establece (casi) sin énfasis en el museo que lo posee: la idea hereditaria del cuerpo como unidad de medición del mundo se demuestra para comparar con el alivio metrológico antropomórfico de los antiguos Gres.
Sin embargo, una combinación simple fue suficiente para traducir el concepto de la sección anatómica del cuerpo humano al “cuerpo del cuerpo”, que los arquitectos del siglo XVI se aplican a los edificios: Leonardo “rompe” el cráneo en una hoja de papel para mostrarlos simultáneamente internos y externos; Lo mismo es Brahmante con su muñeca -Petro recaudada para el Domo; El Baldassarre de Peruzci, por lo tanto, puede convertir los ejercicios de asistente en “vuelo” al petróleo basílico del Vaticano, que es quizás el diseño arquitectónico más emocionante de todo el siglo XVI. En resumen, un artista es una mirada que comienza a competir con lo divino: observa desde arriba, estudia cuidadosamente la piel, ve a través de las paredes; El emocionante preámbulo de la exposición también se puede leer en esta línea, donde el personaje principal es el primer cuerpo, cuando la liba es de Adán.
Él sigue, como dijeron en la apertura, las ilustraciones de uno de los géneros más representativos de la imagen veneciana, desnuda: criaturas para dormir, principalmente inmersas en el paisaje, se desean. Para tomar el lugar de Giorgione, Venus Dresden, es una imagen inolvidable de la Galería Borges, donde el personaje principal sueña con una fuerte tormenta de verano al atardecer (Sratmen en sus manos, apresurarse para ir al río, desde las partes de Bassano, podemos decir, podemos decir). Incluso más que en la sección sobre el deseo del cuerpo masculino, el efecto de la re-combustión es efectivo cuando el discurso afecta el matrimonio: en el contacto de Veneto, un hombre que descansa en los senos descubiertos de la mujer señaló la batalla. No ejercicios eróticos, pero el ritual está sellado en la pintura. Para los fanáticos de Margaret Etwood, un poco más, una cubierta para el cabello que usan las novias venecianas no necesitará firmas.
El tema de la ropa es una transición ideal al epílogo: “Los cuerpos modernos del Renacimiento pueden cambiar, transformarse, convertirse en algo más de sí mismos”. Creando, estrecho, aligerado, estiramiento, etc. Por ejemplo, Calcagnini son zapatos con ascensores muy altos que deberían estar ocultos debajo de la ropa: confía de manera convincente de que a mediados del siglo XV el Museo de Correra, entonces parecerá que en el estudio veneciano de los trajes de Dürer, un personaje principal muy cercano sale del fondo de la hoja con un paso indefinido cuando no recaude tanto como no revelar arte. Las cortinas recopiladas que dominan los contactos set recuerdan el vestuario donde puede cambiar el vestido: este es uno de los muchos experimentos exitosos del director de teatro Andrea Bernard (esto ya se ha visto en la acción en Vickens con el arquitecto Born Raffaello hace varios años). Cuando se trata de modelar el cuerpo, no hay límites de género: dicen esto, frente a la ventana, la armadura de Milán del siglo IX del siglo XVI, que le da los músculos perfectos al comandante a quien me llevo, y el corsé femenino del mismo período.
De las herramientas de metal similares a las prótesis mecánicas, el paso es corto: la exposición tiene brazos, piernas y brazos artificiales que están haciendo todo lo posible para creer en el siglo XVI. Desde este punto de vista, sin embargo, Baldassarre Castiglione tiene ejercicios corporales: Cortegiano (la exposición es una muestra que pertenece al rey de Francia), es el liderazgo de acciones performativas para construir su presencia sin muchos ayudas. Y así, después de que estuvo disperso, palpado y disfrazado, el cuerpo se restaura. Vale la pena encontrar el final, cruel y brillante, en la exposición.
