5 películas clásicas de los 70 en Prime Video que todo el mundo debería ver al menos una vez

En 2024, Michael Phillips, del Chicago Tribune, escribió una elegía al cine de los años 70, recordándolo como una época gloriosa en la que se hacían películas para adultos. El mundo era oscuro, recordó Phillips, y las películas lo reflejaban. Pero en lugar de correr hacia el escapismo, gran parte del cine de los años 70 siguió centrándose en la desesperación, la entropía y el hecho de que todo se estaba desmoronando. No es necesario ser un erudito para recordar los horrores de la época, desde la guerra de Vietnam hasta la corrupción de la administración Nixon, por lo que el análisis continuo del alma perdida de Estados Unidos era apropiado y esperado. No fue hasta el inesperado éxito de “Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza” en 1977 que el público tuvo un descanso de todo esto. Lo que siguió en la década de 1980 fue la fantasía y el escapismo.

Por supuesto, no todas las películas estadounidenses de la década de 1970 fueron sombrías (algunas de las comedias más divertidas de esa década también se estrenaron), pero “sombría” es generalmente como se clasifica la década en ensayos críticos integrales. Además, en la década de 1970 surgió una nueva generación de cineastas que de hecho habían asistido a la escuela de cine. Las películas fueron más estudiadas, más aprendidas y más conscientes de su historia que nunca. Cineastas como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg y George Lucas eran profundamente conscientes del cine que los precedió y operaban desde un profundo conocimiento del lenguaje del medio.

Muchos clásicos de la década de 1970 están disponibles en Prime Video, incluidos los cinco que se enumeran a continuación en orden alfabético. Esta lista es un excelente punto de partida para aquellos que están comenzando su viaje hacia las películas de esta década, y ver estas cinco películas los hará sentir cinematográficamente familiares.

Es sorprendente pensar que Francis Ford Coppola dirigió “La conversación” y “El padrino II” el mismo año, ya que ambas se encuentran entre las mejores películas de la década. “Conversación” es la más cerebral de las dos y tiene un tono intenso de paranoia abstracta. Gene Hackman interpreta a Harry Kaul, un detective profesional contratado por varios clientes para espiar y grabar las conversaciones de otros. Recientemente capturaron a una pareja que decía misteriosamente: “Nos matará si tiene la oportunidad”.

Harry manipula su equipo de grabación de alta tecnología para obtener un audio más claro y luego tiene la intención de entregar la grabación a su cliente actual (Robert Duvall). Harry, un hombre tranquilo, no habla de su vida personal. Sabe que sus grabaciones podrían usarse en crímenes pasionales, pero ignora el caso. Su conciencia le preocupa de vez en cuando, pero Harry rara vez deja que se note. John Cazale, Terry Garr y Cindy Williams también aparecen en la película, así como Harrison Ford como un peculiar actor secundario.

“The Conversation” es un intenso thriller tecnológico y una historia de vacío moral. Uno estaría fascinado por todos los botones, perillas e interruptores que Harry está escuchando (y los fetichistas del audio analógico se desmayarían de admiración), pero también estarían igualmente fascinados por la eficiencia impávida y de corazón frío del hombre. Y sobre todo esto se cierne la sensación de que la moderna tecnología de grabación ha llegado a un punto en el que la privacidad ya no es posible. Alguien en algún lugar puede escucharte, monitorearte, seguirte e informar sobre ti.

Es bueno que la paranoia cesara en los años 1970.

No todo era pesimismo en los años 70. Después de todo, esta fue la década en la que Mel Brooks hizo “Blazing Saddles” y “Young Frankenstein”. Esta fue también la era de “Monty Python y el Santo Grial”. “El idiota”, “¿Qué pasa, doctor?” Y varias películas de “La Pantera Rosa”. Estas películas, en general, satirizan la idea central del cine, presentando universos falsos y bufonescos donde las leyes de la física han sido reescritas ligeramente. Cualquiera puede tomar su propia decisión sobre si quiere ver sus películas, pero Woody Allen ofrecía un tipo refrescante de comedia de personajes extravagantes y trastornados en la década de 1970 que atraía a grandes audiencias.

De manera similar, “The Kentucky Fried Movie” se estrenó en 1977. Dirigida por John Landis (quien empañó para siempre su legado durante la producción de “Twilight Zone: The Movie”) a partir de un guión de David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker o ZAZ (el último empresario detrás de “Airplane!”, “Top Secret!” y “Police Squad!”), la película es una serie de viñetas desconectadas que simulan la experiencia Chanel. Hojeando la televisión nocturna, fragmentos de películas de ficción (específicamente, una película de artes marciales llamada “A Fistful of Yen”), comerciales, programas de entrevistas, avances falsos y anuncios de servicio público, todo se junta para crear un glorioso lío de bufonadas hilarantes.

La película es obscena, sucia y desagradable y definitivamente fue diseñada de esa manera. Hay mucha desnudez y chistes sexuales. Al igual que “Nashville”, sirve como deconstrucción de los medios pero en el molde de MAD Magazine. Todo lo que flota en el cada vez más activo panorama mediático es material para la parodia. Si los medios no importan, bien podríamos jugar un poco.

Las películas de Robert Altman pueden resultar difíciles para quienes están acostumbrados a guiones rígidos y melodramáticos. Las películas de Altman, por diseño, se mueven. Los personajes tienen conversaciones más naturales y los diálogos a menudo se superponen. A Altman, simbólicamente, le gusta colocar su cámara en un rincón de la habitación sólo para observar. Sin embargo, también le encanta la música y la interpretación, y pudo unir sus dos pasiones en “Nashville” de 1975, una epopeya sobre varios músicos de la escena de la música country y gospel en una ciudad de Tennessee.

Altman coloca la cámara sobre los cantantes y les deja tocar la música. De los 160 minutos de la película, aproximadamente 60 minutos están dedicados a actuaciones musicales, lo que prácticamente convierte a “Nashville” en una película de concierto. Además, hay varios personajes principales en la película, por lo que hay mucho que seguir. Su elenco incluye a Ronnie Blakely, Ned Beatty, Jeff Goldblum, Henry Gibson, Scott Glenn y muchos otros. Y si bien “Nashville” es un concierto cinematográfico alegre y agotador, también es una lección extrañamente deconstructiva sobre la forma en que está estructurado el cine. No llega al clímax ni llega al clímax como lo hacen la mayoría de las películas. Más bien, está abierto en ambos sentidos, deteniéndose sólo temporalmente en Nashville para recoger muchas historias del ingenio, la ambición y la lucha del ciudadano estadounidense promedio.

Y, por supuesto, es político. “Nashville” se estrenó en un momento muy sombrío en Estados Unidos, y la conmovedora imagen de la bandera estadounidense en la película es un comentario sobre la falta de sentido del patriotismo. Podemos gritar ‘Rah-Rah-America’ todo lo que queramos, pero ‘Nashville’ muestra que hay significados más profundos detrás del patriotismo. Estados Unidos intentaba aferrarse a su amor propio, pero la vida real se interpuso en su camino. Y, sin embargo, junto con su música, la belleza aún permanece escondida en algún lugar del corazón del país.

Hubo varias películas notables que abarcaron la experiencia posterior a la guerra de Vietnam en los años 1970 y principios de los 1980. Además de “Taxi Driver”, también estuvo “Coming Home” de Hal Ashby y la controvertida ganadora del Oscar a la Mejor Película de Michael Cimino “The Deer Hunter”. Más tarde, obtuvimos películas como “Birdie”, “First Blood” y “Nacido el 4 de julio”, que analizaban cuán horrible y dolorosa fue la experiencia de la guerra de Vietnam.

“Rolling Thunder” de John Flynn fue uno de los más intensos. La película, que fue (bastante obvia) coescrita por el escritor de “Taxi Driver” Paul Schrader, está protagonizada por William Devane como Charles Raney, un mayor de la Fuerza Aérea que regresa a su hogar en San Antonio después de pasar meses como prisionero de guerra en Vietnam. Charles se entera de que en su ausencia su esposa lo ha abandonado y su hijo pequeño no lo extraña. Sin embargo, nada de esto le molesta, ya que tolera fácilmente el dolor después de su experiencia en la guerra. Ni siquiera le importa cuando la ciudad le da una gran recompensa en efectivo en reconocimiento a su servicio militar. Todo esto no tiene sentido para él después de la pérdida de la guerra. Sin embargo, Charles no puede ignorar cuando los ladrones irrumpen en su casa, le roban el dinero, le dañan el brazo con un bote de basura y… bueno, también suceden otras cosas violentas.

Charles entonces se volvió “activo”, sabiendo que debía vengarse a sangre fría, y con lógica. Recluta a su antiguo compañero de guerra (Tommy Lee Jones) y se pone a trabajar. “Rolling Thunder” es en parte una tragedia de guerra y en parte un thriller de venganza ultraviolento de los años 70, y hace ambas cosas a la perfección. Y todo está impulsado por Deven, quien ofrece una de las mejores actuaciones de la década junto a Robert De Niro en “Taxi Driver”. hablando de eso…

Muchos estudiantes de cine han visto “Taxi Driver” de Martin Scorsese, un drama sobre personas que se escapan de las grietas. Robert De Niro interpreta a Travis Bickle, un veterano de Vietnam que regresa a Estados Unidos con muchos traumas psicológicos y sin nadie que se asegure de que está bien. Travis se gana la vida como taxista nocturno, y la gente que conoce a medianoche en Nueva York sólo le enseña que el mundo es un lugar desesperado y solitario. Mira películas XXX en el cine para adultos local, pero no parece estar impulsado por la pasión. En todo caso, ve a la humanidad como un extraño, una persona que no entiende cómo funcionan la interacción social y la felicidad. Pronto, sus fantasías comienzan a volverse violentas. Siente que algún día llegará la lluvia y se despejarán los caminos.

Por supuesto, Scorsese estaba explorando cómo se pasa por alto a los veteranos emocionalmente desconectados y cómo hay personas violentas y mentalmente enfermas entre nosotros que están desarrollando fantasías que no podríamos imaginar. Scorsese fue tan bueno convenciendo a Travis Bickle que algunos críticos lo acusaron de simpatizar con su peligroso punto de vista en “Taxi Driver”. Lo repetiré para los de atrás: ilustración no equivale a respaldo. La verdad es que a menudo se acusa a Scorsese de apoyar la vida de los criminales que filma, pero él es mucho más sofisticado que eso. Sólo le interesan los outsiders, aquellos socialistas ocasionales que se consideran ajenos a la moralidad tradicional.

La mayoría de los cursos de cine de los años 70 comienzan con “Taxi Driver” y es fácil entender por qué. Es una de las películas más desgarradoras, intensas, violentas y aterradoras de la época, que captura perfectamente la amargura y la desesperación de la década. Travis Bickle es un hombre trágico y lloramos porque nunca recibe ayuda.