El nuevo espectáculo multimedia del artista radicado en California presenta a Beck, Natasha Levine y Philip Glass. Aquí habla del arte como “la oposición al ruido blanco y la ansiedad que existe. Nuestro Control”
David Aitken Diales desde su casa de California, con un exuberante telón de fondo que recuerda a las escenas de sus películas. Paisaje de luces. Toda la casa es una obra de arte única, un instrumento musical diseñado por el artista, incluida la mesa en la que se sienta, que, según explica, está hecha de piezas de mármol que se pueden afinar y tocar. “Dar La casa se puede ‘encender'”, dice. “Hay micrófonos que se colocan en el suelo y pueden captar el movimiento del suelo en la calle o el sonido del océano.Es un hogar apropiado para un artista conocido por sus instalaciones que responden al sitio, ya sean imágenes proyectadas en edificios de la ciudad por la noche (Sleepwalkers, 2007), un “happening” multidimensional durante un viaje en tren a través de Estados Unidos (Station to Station, 2013) o una serie de esculturas (On the First Waves). 2016).
Lightscape presenta la nueva exposición de Aitken en el Shed de Nueva York, una instalación cinematográfica de siete canales con una banda sonora impresionante que se activará mediante una actuación en vivo durante la presentación del espectáculo. Compara la obra con un planeta cuyos diferentes aspectos representan una variedad de medios, desde la música y el cine hasta la instalación y la performance. “Se trata realmente de analizar la idea de que el arte puede desmaterializarse por completo y que el arte puede ser cualquier recipiente: puede fluir libremente a través de cualquier medio, ya sea una película, una escultura o una actuación”.
La película en sí, que planea estrenar como largometraje a finales de este año, es una serie de viñetas interconectadas al estilo Altman que siguen a varios personajes, interpretados, entre otros, por Natasha Levine y Beck, mientras navegan por las diversas texturas de nuestro presente volátil. Las estelas de los aviones se elevan sobre nuestras cabezas, las máquinas hacen su trabajo en una sincronía inquietante y las luces señalan y cambian en la oscuridad urbana. En medio de estos fragmentos de alienación y velocidad, un jardinero que prepara el terreno para la casa de Richard Neutra se encuentra en un bosque a la deriva con raíces gigantes y retorcidas, como un bosque prehistórico. Es un momento fascinante que nos saca del “ahora” nuclear y nos lleva a un tiempo más profundo, un sentimiento que la exposición en el cobertizo pretende evocar de manera similar.
Aquí, el indomable artista habla de su hipnótica obra de arte, su instinto de colaboración y un nuevo proyecto que está sacando de los escombros de un incendio en Los Ángeles en 2025.
Laura Allsopp: ¿Cómo se unirán los diferentes elementos de la obra en el cobertizo?
Doug Aitken: La instalación en Nueva York constará de siete pantallas y son muy arquitectónicas. Entras en este espacio oscuro y te encuentras rodeado de diferentes pantallas, como vallas publicitarias o carteles que se mueven. Puedes caminar, sentarte o tumbarte en medio del espacio o perderte. Quería crear un entorno donde la obra de arte se disuelva y actúe con el espectador. Es una historia muy no lineal, tiene múltiples personajes a los que vuelves una y otra vez, pero no es un diálogo tradicional o una estructura dramática. Es una narrativa muy gráfica, impulsada por un lado por la música, el sonido y los patrones de repetición, y por el otro, por diversos individuos en lugares completamente separados pero unidos para crear esta historia más amplia. Así que tienes de todo, desde una fábrica de robótica mecanizada hasta un desierto remoto y seco con un minero migrante viajando por el espacio en su camión. En realidad, se trata de historias bastante diversas que de alguna manera se conectan y crean una imagen más compleja de quiénes somos ahora y cómo avanzamos. Veo Lightscape como una coreografía cinematográfica: utilizamos imágenes en movimiento, pero lo vemos casi como un baile. En la forma en que interactúan las pantallas, hay momentos de causa y efecto en los que capas enteras de la exposición se despliegan como una flor de loto o se encogen.
LA: Como todos tus títulos, este es muy emotivo y me preguntaba qué significa la palabra Lightscape para ti.
DA: Creo que Lightscape se me ocurrió cuando estaba pensando en cómo definir un paisaje moderno. Vivimos en un momento interesante donde las líneas entre ficción y no ficción se difuminan, la idea de paisaje es una cuestión. Miramos por la ventana y es un paisaje construido: árboles plantados por humanos, caminos pavimentados, cielos cortados por aviones que cruzan y señales invisibles de comunicación y electricidad que nos atraviesan mientras hablamos. Es una idea muy diferente al paisaje tradicional, pero es un paisaje geológico, una sensación de tiempo profundo y ecología profunda. ¿Cómo lo describimos y cómo lo definimos? Porque creo que es importante que no lo demos por sentado y asumamos que es normal (risas).
LA: Tu trabajo es muy colaborativo. ¿Puede contarme sobre la colaboración en Lightscape y qué aportaron al proyecto?
Y: Me encanta cuando una obra de arte puede convertirse en una mesa enorme, invitando a otras personas a crear, compartir y participar. También me gusta la improvisación. Mucho de lo que vemos a nuestro alrededor está muy estructurado y me gusta la idea de que hay espacio para la espontaneidad cuando haces algo. Con Natasha Levine, siempre quisimos hacer algo, y cuando salió el proyecto, tenía una idea para un personaje, pero en realidad lo creamos in situ. Brian (Mosser), su ex amante, forma parte de la escena, y pensamos en esta mujer en un apartotel de lujo, mirando hacia afuera, y una ventana de cristal que la separa de la vida. Es casi como una prisión de placer que no puede romper, y ve el mundo que la rodea en rotación, diversidad, diversidad, pero sólo a través de la lente de un voyeur. Fue aquello en lo que conseguimos una habitación y comenzamos a improvisar. Muchas escenas fueron así. La ubicación estaba escrita, pero lo que sucedió en ella realmente se inventó en el acto.
LA: Horizon es muy prominente en la película y has hablado antes de Horizon sobre lo que viene a continuación. Es un momento de intensa ansiedad: ¿qué sientes sobre el futuro?
Y: Recuerdo haberle preguntado al arquitecto Paolo Soleri, de unos 90 años, “¿Qué piensas del futuro?”. Y él simplemente me miró y dijo: “No puedes hacer esa pregunta”. Dijo que el futuro es sólo una ilusión, no tenemos idea, sólo tenemos el presente y sólo tenemos que concentrarnos en él. Por un lado, necesitamos tener una visión de hacia dónde podemos llegar, personalmente o como sociedad, pero por otro lado, también tenemos este poder de presencia y presente, y eso es algo que no podemos perder. Estos son tiempos increíblemente desafiantes política y socialmente. ¿Cómo lo navegamos? Pero creo que, de alguna manera, se remonta a la creatividad y la cultura. Es un espacio que debemos conservar y es más valioso que nunca, porque es lo opuesto al ruido blanco y la ansiedad que están más allá de nuestro alcance y control.
LA: Normalmente tiendes a trabajar en muchas cosas diferentes a la vez. ¿Qué sigue para ti?
DA: Hay muchas cosas, una de ellas es un proyecto en torno a los incendios de Los Ángeles hace un año. Hemos estado recolectando y cosechando materiales durante los últimos ocho meses y ahora estamos explorando la idea de convertir los materiales en herramientas que puedan funcionar en paisajismo. Quiero ver a Firezone haciendo música y sonido a partir de sus escombros.
Doug Aitken: paisaje de luces En exposición en The Shed, Nueva York, del 25 de junio al 13 de septiembre de 2026.
